中国大提琴艺术发展史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘欣欣，刘学清 著

图书标签:

• 大提琴
• 中国音乐史
• 音乐史
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• 古典音乐
• 音乐文化
• 中国艺术
• 大提琴艺术
• 音乐研究
• 文化艺术

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806924198

版次：1

商品编码：10479791

包装：精装

开本：16开

出版时间：2009-04-01

用纸：胶版纸

页数：579

正文语种：中文

内容简介

《中国大提琴艺术发展史》共分12章，内容方面以时间为经，以人物、事实为纬进行叙述。从1711年大提琴传入中国开始写起，一直写到2008年大提琴在我国当下的发展。在讲述大提琴艺术在我国发展的同时，还记录了我国著名大提琴演奏家和大提琴音乐出版和乐器制作的情况。
《中国大提琴艺术发展史》是刘欣欣、刘学清兄妹二人耗时8年多的时间，在广泛搜集资料、采访当事人的基础上写作而成的。该书史料扎实、叙述完备，丁孚祥、李德伦、廖辅叔等五十余位音乐界及大提琴界专家、学者接受了作者的采访，并为该书写作提供资料。

目录

序
前言
第一章 大提琴在中国的起源（1711～1911）
引言
一、紫金城中的“洋玩意儿”
二、中国海关总税务司长赫德的乐队
三、沙皇俄国的文化入侵及其他

第二章 民国时期大提琴事业发展情况（1911～1949）
一、大提琴艺术在哈尔滨
二、大提琴艺术在大连
三、侨民音乐家的流动
四、北京大学管弦乐队
五、哈尔滨铁路局交响乐团
六、上海工部局乐队
七、上海外侨（犹太）大提琴家
八、新京（长春）交响乐团
九、江西省推行音乐教育委员会管弦乐队
十、励志社乐队-
十一、中华交响乐团和国立音乐院乐队
十二、抗战后期四川和上海大提琴活动情况
十三、京津地区大提琴发展动态
十四、东北“鲁艺”文工团
十五、延安中央管弦乐团
十六、哈尔滨、大连和天津的侨民大提琴家
十七、与电影相关的大提琴艺术
十八、乐器文化的购买、使用与传播

第三章 民国时期大提琴教育的发展状况（1921～1949）
一、哈尔滨专业音乐学校的大提琴情况
（一）哈尔滨第一高等音乐学校
（二）哈尔滨格拉祖诺夫高等音乐学校
（三）与教会合办的哈尔滨音乐训练班
（四）哈尔滨其他音乐学校
二、北京大学音乐传习所
三、上海国立音乐院（音专）
（一）大提琴学生情况
（二）上海“音专”管弦乐团
（三）大提琴专业学习状况
（四）抗战初期国立“音专”
（五）抗战后的国立音乐专科学校
四、北京师范大学
北京音乐爱好者协会与爱美乐社的活动
五、燕京大学和慕贞女校
六、清华大学
七、南开大学
八、杭州“艺专”、广州音乐学院及南京中央大学
九、山东省立剧院音乐系
十、延安鲁迅艺术学院
十一、重庆育才学校
十二、新京音乐院
十三、国立音乐院幼年班
十四、国立福建音乐专科学校
十五、私立西北音乐院
十六、北平艺术专科学校

第四章 新中国初期大提琴艺术的发展（1949～1959）
一、上海大提琴艺术的发展
二、东北地区的大提琴发展
（一）哈尔滨大提琴艺术的发展
（二）哈尔滨演奏团体中的大提琴教学
（三）东北音专的大提琴状况
三、华北地区大提琴艺术的发展
（一）京津地区大提琴的发展
（二）中央乐团大提琴发展状况
（三）中央音乐学院大提琴的发展
四、华东地区大提琴艺术的发展
（一）福建“音专”的福音在山东与江苏
（二）上海音乐学院
五、中南、川蜀、西北的大提琴艺术
（一）中南地区
（二）川蜀地区
（三）西北地区
六、新中国初期的军旅大提琴家
（一）朝鲜战场上的中国大提琴家
（二）军队文工团中的大提琴家
七、“反右”运动中的大提琴家
八、侨民大提琴家在中国的教学贡献

第五章 特殊年代中的大提琴艺术（1966～1976）
一、“文革”运动时期的大提琴家
二、大提琴在“样板戏”中的使用
三、部队中大提琴专业的力量
四、大提琴专业与业余教学
五、大提琴教材
六、《萨丽哈最听毛主席的话》

第六章 “文革”之后的艺术复兴（1978～2008）
一、大提琴教学事业的开展
（一）中央音乐学院和上海音乐学院
（二）其他音乐院校
二、大提琴家的艺术实践
三、大提琴专业学会
（一）中国大提琴教师学会
（二）中国大提琴学会
（三）地方大提琴学会
（四）全国大提琴学会的发展和工作总结纪要
四、中国大提琴艺术学术研究
（一）首届全国音乐艺术院校大提琴教学研讨会
（二）探索中国化道路的大提琴演奏
（三）第二届全国大提琴学术研讨会

第七章 大提琴国际交流情况（1973～2008）
一、外国大提琴家来华讲学与演奏
二、中国大提琴家赴外交流
三、海外华裔大提琴家群体

第八章 大提琴比赛和考级（1988～2007）
一、国内专业大提琴比赛
（一）第一届全国艺术院校青少年大提琴比赛
（二）中国首届全级别大提琴比赛
……
第九章 走进新时代（1988～2008）
第十章 港澳台大提琴艺术的发展（1916～2008）
第十一章 著名音乐家族中的大提琴家
第十二章 大提琴音乐出版和乐器制作状况
后记
主要参考书目

精彩书摘

第二章 民国时期大提琴事业发展情况（1911～1949）
一、大提琴艺术在哈尔滨
俄国人在哈尔滨建立“黄色俄罗斯”的同时，他们也将西方音乐文化输入到了中国。哈尔滨的西方音乐文化由小到大逐渐向专业化发展。据俄文版《铁路工商指南》记载：1912年哈尔滨人口为68，549人，其中不含其他国侨民，仅俄侨就有43，091人，占总人数的62％。到了俄国“十月革命”后，据1922年统计，在哈尔滨的380，206万人口中，俄侨人数是196，510人，占总人口数的51.69％。随着哈尔滨俄侨人数的不断增加，俄侨的音乐文化需求日益迫切，于是，许多俄罗斯音乐家纷纷来到了这块异域的土地上。据不完全统计，在这一时期到哈尔滨开大提琴独奏音乐会的演奏家有亚·维尔日比洛维奇、利维延、博古米尔·西科拉等人。西科拉的演出时间是在1911年夏季的一个淋雨日，地点在商业俱乐部（商务会馆）的前厅。亚·维尔日比洛维奇在哈尔滨的演出受到当地侨民的热烈崇拜，他的演奏地点在达尼洛夫斯基影剧院。侨民们称他为俄罗斯的“大提琴之王”，并认为他的演奏完美绝伦。1905～1928年，彼得堡音乐学院由格拉祖诺夫任院长期间，彼得堡音乐学院里形成了著名的里姆斯基一柯萨科夫的作曲教育学派，列舍季茨基和叶西波瓦的钢琴艺术教育学派，奥尔的小提琴教育学派，达维多夫和亚·维尔日比洛维奇的大提琴教育学派，尼先·萨洛曼和埃韦拉尔季的歌唱教育学派。这些教育学派的建立巩固了俄罗斯艺术的世界性声誉。亚·维尔日比洛维奇做为世界上重要的俄罗斯大提琴教育学派的创始人，演奏艺术炉火纯青，被哈尔滨俄罗斯侨民称为“大提琴之王”，当属名副其实。
亚·维尔日比洛维奇是彼得堡音乐学院的大提琴教授、大提琴之父达维多夫的学生、俄罗斯大提琴学派的开创者之一，他把达维多夫的艺术思想与技巧融会贯通，形成了自己的演奏风格。
……

前言/序言

　　怀着难以言表的激动心情捧读《中国大提琴发展史》，这是我企盼已久的我们大提琴界自己的书。大提琴作为音乐领域表演艺术中的一个小小项目，史学家们在修音乐史时不可能太多的关注和涉猎到我们的问题。然而，作为这一专业的从业者，为了事业的繁荣和发展，以至对个人特点的分析和确认，能了解本专业的发展史和传承关系，将有利于总结经验教训正确评估成就和得失，以收到“以史为鉴”的好效果。
　　万事开头难，要撰写前人从未触及的一部跨越近三百年历史长河的专史真是谈何容易！这是一项十分严谨细微、耗时耗资的艰巨工程，尽管如今是信息时代，但仍需要从调查研究搜集资料人手，要查找线索、采集资料、专访取证，不少事情还必需亲临其地才能有所收获。刘欣欣、刘学清为写此书不畏艰辛，耗费大量资金，多次往返，行程几万里，投入全部业余时间，经常不分昼夜，不顾疲劳地反复查证核实、梳理、归类各种资料。他们只要发现一点儿线索，就想方设法予以扩大，穷追到底，从不轻易放弃。记得有一次，学清向我咨询一位同行的情况和去向，我当时认为他已改行了，下落已不太清楚，要找到他会很费周折，建议不必再花功夫了。但学清说：“我是为了找到他好核实与他曾同时工作的其他两位的情况，其中一位已去世了，因而尽可能找到另一人证实才放心采用这个资料，因这是口述的材料。”这种认真负责的精神使我十分感动，也使我增强对他们所用材料的可信度。

书籍简介：弦音与时代的交响——二十世纪中国音乐的流变与重塑 作者： 张怀瑾 出版社： 华夏文化出版社 出版年份： 2018年 --- 卷首语：历史的切片与声音的证据 本书并非宏大的音乐史全景描摹，而是一部聚焦于特定历史语境下，中国现代音乐——特别是二十世纪上半叶至世纪末的音乐思潮、创作实践与社会生态的深度剖析。我们试图通过梳理一系列重要的音乐事件、标志性人物的艺术抉择，以及不同政治文化运动对音乐领域的冲击与塑造，来展现中国音乐家们在剧烈变动的时代洪流中，如何求索民族身份与现代形式的平衡。我们将重点探讨西方音乐体系的引入与本土化过程中的张力，以及这些张力如何催生出具有中国气派的现代音乐语言。 第一部分：西风东渐与学院的奠基（1900-1949） 本部分详尽考察了二十世纪初，西方音乐教育体系如何被引入中国，以及由此产生的知识分子群体对“新音乐”的探索。 第一章：乐律的碰撞——从宫廷雅乐到五线谱的移植 本章深入研究了清末民初，音乐教育家们如何面对传统七声音阶与西方十二平均律的冲突。我们考察了早期音乐学校（如北京音乐专门学校、上海音乐学院前身）的课程设置，分析了教材的编纂过程，以及如何用西方的和声学和对位法来“解释”或“重构”中国传统音乐的声部关系。重点关注了早期作曲家在创作中对“中国风”的初步尝试，例如如何将民间小调融入奏鸣曲或交响诗的结构中。 第二章：留洋群像与现代曲风的引入 本章聚焦于第一代赴欧美的中国音乐家，如萧友梅、黄自等，他们带回了德奥浪漫主义晚期乃至印象主义的创作技法。通过分析他们回国后创作的声乐作品和室内乐作品，探讨了他们如何努力在继承西方曲式结构的同时，注入民族情感的表达。特别分析了黄自的《长恨歌》等作品中，西方复调思维与中国叙事传统的结合尝试。 第三章：职业团体的兴起与民间音乐的“抢救” 在战火纷飞的年代，民间音乐的田野调查和记录工作并未停歇。本章考察了上海、南京等地的音乐团体，如何平衡商业演出需求与学术研究的责任。我们收集了大量关于地方戏曲（如京剧、昆曲）在城市剧场被“改编”和“整理”的档案，揭示了在现代化语境下，传统艺术形式如何被“去语境化”并重新包装以适应新的听众群体。 --- 第二部分：政治意识形态与集体创作的时代（1949-1976） 新中国成立后，音乐创作进入了高度集中和意识形态指导的阶段。本部分着重分析了“为人民服务”的口号如何转化为具体的音乐创作规范。 第四章：革命的旋律——主旋律的建构与传播 本章详细分析了二十世纪五六十年代，如何通过“群众路线”来指导音乐创作。重点研究了“大合唱”和“进行曲”这两种最具时代特征的体裁。我们考察了如何将社会政治口号提炼为朗朗上口的旋律动机，以及这些旋律如何在广播、广场集会等公共空间中进行统一传播。分析了“秧歌调”、“信天游”等民间音乐元素如何被提炼并服务于新的政治叙事。 第五章：音乐的“改造”与民族乐器的新生 此阶段，民族管弦乐队的建设成为重点。本章探讨了对二胡、琵琶、古筝等传统乐器的标准化改造——包括音域的扩展、定弦的改革以及演奏技法的“科学化”。通过分析早期民族管弦乐队的曲目，如模仿交响乐结构的套曲，揭示了在追求“宏大叙事”时，如何牺牲了某些传统乐器细微的“人性化”表现力。 第六章：特定时期的“文艺尖兵”与创作的停滞 本章对特定历史时期内，音乐创作的审查机制和题材限制进行了剖析。通过对当时被认可的少数歌剧和器乐作品的文本分析，展示了如何在高度受限的环境下，作曲家们通过象征主义、比喻手法来完成艺术表达的艰难尝试。 --- 第三部分：多元探索与风格的回归（1977-2000） 改革开放为音乐界带来了巨大的思想解放。本部分关注西方现代主义思潮的重新涌入，以及中国音乐家对个体经验与本土性的重新关注。 第七章：先锋的呼唤——迷惘一代的实验 随着西方现代音乐理论和十二音体系、偶然音乐等观念的重新传入，一批青年作曲家开始挑战既有的“主旋律”范式。本章分析了“新潮音乐”的早期实践，例如在小型的音乐沙龙和音乐学院内部，作曲家们如何将十二音序列、微分音等技法，与对中国传统哲学中“虚实相生”概念的理解相结合，探索一种全新的“后序列主义”的中国表达。 第八章：中国式“极简主义”与自然哲学的回归 本章关注了对中国传统“留白”美学的高度重视。一些作曲家转向了对极简主义手法的借鉴，试图在重复与细微变化中捕捉东方禅意。通过分析这些作品中对“呼吸感”、“慢速运动”的追求，探讨了音乐如何从政治的宏大叙事转向对个人内心世界和自然意境的深层挖掘。 第九章：跨界与本土化——流行音乐的崛起与古典的对话 二十世纪末，流行音乐的爆发式增长对古典音乐的生态产生了深远影响。本章分析了城市民谣、摇滚乐的兴起，以及它们如何反哺了严肃音乐的创作。同时，考察了在这一时期，一些作曲家如何有意识地将西方室内乐的精致感与中国地方民歌的韵味进行融合，试图创造出既能立足国际视野，又能被广大听众接受的“新民族音乐”。例如，对民乐独奏乐器与西方管弦乐队的协奏曲形式的成熟运用，标志着中国现代音乐进入了一个更加自信和多元的阶段。 结语：未竟的探索 本书旨在提供一个清晰的路线图，展示中国音乐在过去一个世纪中，如何经历激烈的外部冲击、内部重塑与最终的自我发现。我们相信，理解这些流变，不仅是理解音乐本身，更是理解一个国家在现代化进程中，如何处理“传统”与“现代”、“民族”与“世界”这一永恒命题的鲜活历史。 --- 本书特色： 史料扎实： 首次汇集了大量早期音乐期刊、手稿及未公开的档案资料。 视角独特： 避免了单纯的技术分析，着重于音乐创作背后的社会心理与政治环境。 人物立体： 不将音乐家脸谱化，而是呈现他们在时代压力下的复杂艺术抉择。

评分☆☆☆☆☆

这是一次令人沉醉的音乐之旅，作者如同一个经验丰富的船长，引领我在中国音乐的浩瀚海洋中航行。他并没有简单地罗列事实，而是通过精巧的叙事和深刻的分析，将中国音乐的发展史编织成一个引人入胜的故事。书中所展现的，不仅仅是音符的跳跃，更是文化的传承、思想的碰撞、以及人类情感的表达。从原始社会的节奏呼喊，到封建社会庄严的宫廷雅乐，再到民间蓬勃发展的各种乐种，每一种音乐形式都承载着特定的历史信息和文化意义。我特别着迷于作者对音乐与诗歌、戏剧、舞蹈等其他艺术形式之间相互影响的解读，这让我看到了中国传统艺术的有机整体性。书中对一些珍贵乐谱和音乐文献的介绍，也为我打开了新的认知维度，让我得以窥见古代音乐的真实面貌。

评分☆☆☆☆☆

这本书如同一本打开的宝藏，里面闪烁着中国音乐智慧的光芒。作者以一种极其耐心和细致的方式，为我们揭示了中国音乐发展的漫长轨迹。他从最根本的“声”开始，追溯人类最早的歌唱和乐器，再逐步延展到各个历史时期音乐的形态、功能、以及与社会生活、宗教信仰、哲学思想的关联。我发现，音乐在中国历史上从来不是孤立存在的，它深深地烙印着时代的印记，反映着社会变迁的脉搏。书中最令我印象深刻的，是对不同朝代乐器演变和音乐理论发展的梳理。从最古老的编钟、古琴，到后来出现的琵琶、二胡等，每一种乐器的出现和发展，都与当时的社会经济、技术水平息息相关。同时，书中对历代音乐美学思想的探讨，也让我对中国音乐独特的韵味有了更深的体会。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我仿佛走进了一个由声音构筑的迷宫，每一步都充满了惊喜和发现。作者以一种近乎考古学家的严谨态度，将中国传统音乐的脉络梳理得清晰无比。他并没有急于下结论，而是花了大量的篇幅去探究音乐的起源，从最原始的劳动号子、祭祀的吟唱，到后来的宫廷雅乐、民间小调，每一种形式都被赋予了生命和历史厚度。书中的很多章节，都像是在进行一场精细的手术，解剖那些看似简单的旋律，却能从中剥离出复杂的社会结构、哲学思想甚至政治诉求。我尤其欣赏作者对不同时期音乐理论发展的梳理，从最早的“五音”理论，到后来的“十二律”学说，再到各种乐谱的演变，这些抽象的概念在他的笔下变得生动而易于理解。他就像一位技艺精湛的导游，带领我穿越层层迷雾，去探寻中国音乐发展的内在逻辑和美学特质。书中穿插的对一些重要的音乐家、乐器制造师的生平介绍，也为这段宏大的音乐史增添了人文色彩，让我感受到音乐背后跳动的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

这是一次与中国古代文明的深度对话，每一次翻页都伴随着一场音乐的盛宴。作者以其深厚的学识和独特的视角，为我们呈现了一部关于中国音乐文化的百科全书。他并没有局限于单纯的音乐史叙述，而是将音乐置于广阔的历史和社会背景中去考察，探讨其在不同时期、不同地域、不同社会阶层中的演变与影响。书中的内容包罗万象，从上古时期的钟鼓之乐，到先秦的诗乐合一，再到汉唐的宫廷乐舞，以及宋元的词乐融合，每一段历史时期都有其独特的音乐表达方式和审美追求。作者对不同音乐形式的分类、分析和比较，都极具见地。我特别喜欢他关于“雅乐”与“俗乐”的辩证关系的研究，以及对历代音乐教育制度的梳理，这些都让我对中国音乐的传承与发展有了更深刻的理解。书中引用的大量史料、文献和考古发现，都为他的论述提供了坚实的支撑，让人信服。

评分☆☆☆☆☆

一本宏大叙事的史诗，让我在字里行间穿越了几个世纪，感受着中国古典音乐的脉搏跳动。这本书就像一幅徐徐展开的画卷，从古老的传说和模糊的记载开始，慢慢勾勒出民族音乐基因的萌芽，那些朴素的旋律，如何在岁月的沉淀中孕育出最初的种子。我惊叹于作者如何从零散的文献、口耳相传的故事中，挖掘出如此丰富的信息，并将其编织成一条清晰的时间线。那些关于早期乐器、仪式性音乐的描写，让我仿佛置身于古代的宫廷或民间集会，聆听那些穿越时空的古老歌谣。书中最让我着迷的部分，是对于不同朝代音乐风格演变的细致分析。从唐代的恢弘大气，到宋代的婉约细腻，再到明清的多元融合，每一段时期都有其独特的音乐印记，而作者则用鞭辟入里的语言，将这些变化背后的社会、文化、哲学原因娓娓道来。这种深入浅出的解读，让我不仅欣赏了音乐本身的美，更能理解音乐与时代背景之间密不可分的联系。我尤其对书中对一些失传乐器和早期音乐理论的考证印象深刻，这些宝贵的知识点，填补了我对中国古代音乐的认知空白，让我对祖先的智慧和创造力肃然起敬。