杨燕迪音乐文丛：歌剧的误会 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨燕迪 著

图书标签:

• 歌剧
• 音乐评论
• 音乐史
• 杨燕迪
• 西方古典音乐
• 音乐理论
• 文化评论
• 艺术
• 音乐欣赏
• 文学

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549538539

版次：1

商品编码：11507403

包装：精装

丛书名： 杨燕迪音乐文丛

开本：32开

出版时间：2014-06-01

用纸：胶版纸

页数：243

正文语种：中文

内容简介

　　《杨燕迪音乐文丛：歌剧的误会》收入杨燕迪教授近年有关歌剧的散文和评论。歌剧作为特殊的艺术体裁，其间必然涉及音乐、文学、戏剧、景观、舞蹈等各类艺术品种的交叉与融通。就“音乐人文”的关切而论，歌剧自然是最适合这一解读视角的音乐种类之一，这也是杨燕迪教授近年持续关注歌剧并从事歌剧解读和批评的个中缘由。这些篇什中，有的属于歌剧原理性的散议，有的是具体歌剧的导赏性剖析，有的则是歌剧演出之后的评论……所涉及的歌剧作曲家和剧目基本属于在国内舞台上演过的“主流”，但也有一些针对从未在中国舞台上亮相过的现代歌剧的引介。

作者简介

杨燕迪，我国著名音乐学家、音乐批评家、音乐翻译家，上海音乐学院副院长，研究与教学领域涉及音乐学方法论、西方音乐史、音乐美学、音乐学术翻译、歌剧研究、音乐分析与批评、音乐文化与社会研究等。发表译著近300万字，另主编多部论著，主要包括《音乐的人文诠释》、《乐声悠扬》、《西方文明中的音乐》、《作为戏剧的歌剧》、《音乐美学观念史引论》、《音乐史学原理》等等。曾获得国务院、教育部、文化部、上海市的多种奖励与荣誉称号。

目录

序
歌剧的误会
走进歌剧
女仆做贵妇（上）
女仆做贵妇（下）
达尔豪斯的歌剧观
社会批判与人性和解
启蒙和觉醒
威尔第百年祭
威尔第的政治情怀
以声音承载人性
解读《茶花女》：现实主义和心理洞察
茶花女的爱和怨
以音乐透析政治
《阿依达》：威尔第的东方色彩“大歌剧”
责任与人性的冲突
漂泊与拯救
瓦格纳的叔本华
莱茵的黄金：瓦格纳乐剧的滥觞
《指环》断想
瓦格纳《指环》的当代意蕴
瓦格纳的魔力
歌剧《浮士德》：背景、诠释与评价
悲歌经典莎翁情
卡门新解
爱无定律
命运无情
日常生活的诗意发现
话说图兰朵与普契尼
试解《图兰朵》之谜
音乐在每扇门开启时都有色彩变化
贝尔格的歌剧：无理性与理性的悖论结合
怪诞讽刺的库特·魏尔歌剧
普朗克歌剧概观
达尔豪斯的歌剧观
歌剧在中国：发展与问题

前言/序言

音乐的边界与心灵的交响：探寻西方古典音乐的多元图景 本书旨在为普通读者和音乐爱好者提供一扇了解西方古典音乐宏大而复杂世界的窗口，重点探讨音乐本体、历史演变、文化背景以及跨界影响，而非聚焦于歌剧这一特定领域的特定视角。 --- 第一部：音符的诞生与结构的奥秘——西方音乐语言的基石 本部分将带领读者深入剖析西方音乐赖以构建的语言体系，理解其逻辑与美学基础。 第一章：旋律、和声与节奏的三角关系 音乐最基本的要素——旋律、和声与节奏，构成了我们感知音乐的骨架。本章将解析西方音乐体系中，和声如何从简单的平行关系演变为复杂的调性系统（Tonal System）。我们将追溯从古老的民间调式（Modes）到巴洛克时期确立的大小调（Major/Minor）体系的演变过程。通过分析巴赫作品中精妙的对位法（Counterpoint），读者可以理解多声部线条如何独立进行却又完美融合，形成严谨的结构美感。节奏层面，不仅关注拍号和节拍的律动，更探讨复节奏（Polyrhythm）在不同音乐时期，尤其是在德彪西和后来的二十世纪音乐中的解放与重构。 第二章：曲式结构解析：从小型器乐到大型交响 理解一部西方古典作品，如同阅读一篇结构精密的文学作品，必须掌握其“曲式”（Form）。本章将系统介绍主要的器乐曲式： 奏鸣曲式（Sonata Form）： 作为古典主义和浪漫主义交响乐、协奏曲和室内乐的核心结构，本章会细致剖析呈示部、再现部和呈示部的内在张力与戏剧性。 赋格曲（Fugue）： 探讨巴赫如何将一个主题（Subject）通过模仿、转调等手法，构建起逻辑严密的“音乐迷宫”，这是对人类理性思维在音乐中应用的极致体现。 变奏曲（Variations）： 分析主题如何被不断地解构、重塑和装饰，从固定低音变奏到自由主题变奏，展现作曲家在既定框架下的无限创造力。 组曲与套曲（Suite and Song Cycle）： 考察器乐组曲如何将不同风格的舞曲（如萨拉班德、吉格）组合在一起，以及声乐套曲（如舒伯特）如何将诗歌意境与音乐结构融为一体。 第三章：乐器的演进与音色的魔术 西方古典音乐的发展，与乐器制造技术的进步密不可分。本章将审视关键乐器群的演变： 弦乐家族： 从维奥尔琴到现代提琴的结构革新，如何影响了琴声的强度与表现力。弓法（Bowing Technique）的发展如何拓宽了表现范围。 管乐器的机械化： 探讨木管乐器指孔的增多和金属管乐器（如铜管乐器）的活塞和调音滑管系统（Valves and Slides）的发明，如何使得音准更加精确，演奏范围更为广阔。 键盘乐器的革命： 从羽管键琴（Harpsichord）的音色固定到钢琴（Fortepiano/Piano）的力度可控（Dynamics），这一转变如何为贝多芬和后来的作曲家提供了前所未有的情感表达工具。 --- 第二部：历史的洪流与风格的更迭——西方音乐的历史脉络 本部分将勾勒出从宗教音乐起源到现代主义浪潮的宏大历史画卷，理解风格的内在驱动力。 第四章：中世纪与文艺复兴：信仰、人本与复调的萌芽 西方音乐的根源深植于教会的礼仪之中。本章将关注格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音性特征，以及人类如何开始探索多声部的可能性。文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐开始摆脱纯粹的宗教束缚，复调艺术达到高峰（如帕莱斯特里那），更加注重文本的可理解性和和声的和谐性。 第五章：巴洛克时代的辉煌与理性之光（1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐结构化、戏剧化和情感表达力爆发的时代。本章着重分析“数字低音”（Basso Continuo）作为演奏基础的重要性，以及这一时期对情感（Affects）理论的研究。我们将探讨维瓦尔第的协奏曲体裁如何确立，以及巴赫和亨德尔如何将对位法推向极致，形成音乐艺术的里程碑。 第六章：古典主义的典雅与平衡：海顿、莫扎特与结构的力量 古典主义时期追求清晰、对称和普世的音乐美学。本章将探讨维也纳古典乐派如何确立了交响乐、奏鸣曲和弦乐四重奏的标准范式。重点分析海顿如何被誉为“交响乐之父”，以及莫扎特作品中难以捉摸的完美比例和内在的忧郁感，如何在他那个时代的优雅外壳下闪现。 第七章：浪漫主义的激情与个体的解放（1820-1910） 随着社会对个人情感和民族精神的重视，音乐的边界被极大地拓宽。本章将探讨浪漫主义如何体现在： “标题音乐”（Program Music）的兴起： 音乐开始讲述故事、描绘风景（如李斯特的交响诗）。 和声的拓展： 调性被推向极限，不协和音的使用更加频繁，色彩感增强。 民族乐派的崛起： 探究德彪西、穆索尔斯基等作曲家如何从本国民间音乐和文化中汲取灵感，挑战德奥传统。 --- 第三部：打破与重塑——二十世纪至今的音乐探索 进入二十世纪，音乐面临着前所未有的哲学挑战，传统规范被系统性地瓦解。 第八章：现代音乐的断裂与革新：从印象主义到十二音体系 本章将聚焦于西方音乐在面对“进步”与“传统”冲突时的应对。首先分析德彪西的印象主义如何利用音色和模糊的结构来“描绘”而非“叙事”。随后，重点解析勋伯格（Schoenberg）在对调性体系彻底失望后，如何发展出“十二音序列技法”（Twelve-Tone Technique），试图在无调性（Atonality）中建立新的内在逻辑。 第九章：声音的试验场：序列主义、随机音乐与电子声波 二战后，作曲家们将目光投向了更广阔的声音领域。本章将介绍： 总量控制（Total Serialism）： 如何将序列原则扩展到节奏、力度和音色的各个方面。 随机音乐（Aleatoric Music）： 约翰·凯奇（John Cage）如何引入“不确定性”的概念，让演奏过程中的偶然因素成为作品的一部分，挑战“作曲家意图”的核心地位。 电子音乐的诞生： 探讨录音技术和合成器如何将声音的来源从传统的演奏媒介扩展到纯粹的电子波形，开辟全新的创作维度。 第十章：音乐的回归与多元共存 当代音乐不再是单一主导风格的时代。本章将探讨新浪漫主义的回潮（如部分极简主义音乐对重复与旋律的重新关注），以及古典音乐如何与其他艺术形式（如电影配乐、当代舞蹈）进行深度对话，展示其在信息爆炸时代依然保持的生命力与适应性。 --- 本书的价值在于，它不是一本专注于某个流派或某一特定艺术形式的专业指南，而是一部横跨千年，旨在梳理西方音乐思维方式、结构逻辑和审美哲学的全景式考察。通过对这些要素的细致梳理，读者将能更全面地理解音乐是如何从一种仪式性的声音，演变为承载人类最复杂情感和理性思辨的艺术殿堂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功底实在令人赞叹，它没有一般学术著作的板滞感，反而充满了文学性的光泽。作者的叙事节奏把握得极好，时而如涓涓细流般娓娓道来，细致描摹某部作品的诞生背景；时而又如惊涛骇浪般，猛烈地冲击读者对于既有音乐观念的固守。我尤其欣赏作者在处理那些争议性极强的话题时所展现出的平衡感。他不是简单地站队，而是将正反双方的论据都摊开来，让读者自己去权衡，去形成判断。这种“引导式思考”的写作手法，使得阅读过程变成了一场主动的探索，而不是被动地接受信息。书中的一些随笔性质的片段，穿插在严肃的分析之中，像是一剂调味品，使得整本书的阅读体验非常流畅和愉悦，完全没有那种“啃大部头”的压力感。

评分☆☆☆☆☆

我通常阅读音乐评论时，最怕的就是作者的个人情感投射过多，将个人偏好凌驾于客观分析之上。然而，这部文集展现出的是一种近乎冷峻的理性分析框架，即便是在评价那些被大众奉为圭臬的“神作”时，作者也敢于指出其结构上的潜在弱点或时代局限性。这种敢于“泼冷水”的勇气，使得全书的论断更具说服力，因为它建立在坚实的音乐结构分析之上，而非单纯的情绪渲染。它挑战了我们对“完美”的固有想象，促使我们以更批判性的眼光去欣赏艺术作品的复杂性与不确定性。这种批判性的声音在当下推崇“赞美式”评论的氛围中，显得尤为珍贵和必要，它让整个音乐讨论领域保持了应有的活力和进取心。

评分☆☆☆☆☆

这本书最妙的地方，在于它成功地在“专业性”和“普及性”之间找到了一个近乎完美的平衡点。对于初涉音乐研究的学生来说，它提供了系统的、有条理的知识框架，可以作为非常可靠的入门读物。而对于浸淫多年的专业人士而言，书中穿插的那些鲜为人知的史料细节和新颖的解读角度，又能提供令人耳目一新的启发。作者似乎深谙如何与不同层次的读者“对话”，从不故作高深，也不会过度简化复杂的议题。读完之后，我感觉自己对音乐的理解不再是孤立的碎片，而是被编织成了一张更加精密和广阔的知识网络，让我对整个西方艺术史的脉络有了更宏观的把握，收获远远超出了预期。

评分☆☆☆☆☆

从排版和装帧来看，出版方显然是下了不少心思的。这本刊物在视觉呈现上达到了很高的水准。很多段落的配图选择得非常精妙，不仅仅是常见的肖像照，更有许多珍贵的历史乐谱手稿片段和早期演出海报的扫描件，这些视觉材料极大地增强了文字内容的佐证力，让抽象的音乐概念变得具体可感。特别是关于乐器演变的那几章，图文并茂的展示，清晰地勾勒出不同世纪以来音色审美的变迁轨迹。对于那些习惯于多感官学习的读者来说，这种对视觉元素的重视无疑是加分的。而且，装帧的质感让人爱不释手，纸张的选择和字体的设计都体现出对阅读体验的尊重，放在书架上也是一件赏心悦目的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这部文集的选篇眼光独到，将不同时期、不同地域的音乐思想交织在一起，展现出一种跨越时空的对话感。作者在梳理音乐史料时，那种近乎考古般的严谨让人印象深刻。他不仅仅是在陈述事实，更是在挖掘那些被时间尘封的幕后故事，比如某个著名作曲家灵感枯竭时的挣扎，或者某个首演现场的戏剧性冲突。读起来，仿佛置身于那个特定的年代，能真切感受到音乐家们在创作重压下的呼吸与心跳。特别是对早期巴洛克时期那些被现代听众忽略的细微处理技巧的剖析，简直是打开了一个全新的世界。那种对细节的执着，让即便是对古典乐有一定了解的读者，也能从中获得新的洞察。全书的论述脉络清晰，逻辑严密，即便是涉及复杂的音乐理论部分，作者也能用非常形象的比喻将其阐释得通俗易懂，不会让人感到晦涩难懂，这是很多专业音乐书籍难以企及的优点。

评分☆☆☆☆☆

好快！

评分☆☆☆☆☆

白山陶器的“HAKUSANSHOP”，经典陶器品牌的造物之态与待客之道；

评分☆☆☆☆☆

专访陶艺大家安藤雅信，走近他的古宅“百草画廊”；

评分☆☆☆☆☆

专访三百年老铺“中川政七商店”第13代社长中川淳；

评分☆☆☆☆☆

很好

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

挺不错的文集，杨老师的书给捧个场…

评分☆☆☆☆☆

北欧风杂货店klala与欧洲陶艺家独一无二的手作精品；

评分☆☆☆☆☆

看看还行吧，反正看不完 。